Hablar de plagio, cita y apropiación en el arte es hablar de su historia
misma puesto que desde los inicios se ha utilizado como herramienta
artística el copiar o utilizar un referente para la creación de un nuevo
proyecto, un claro ejemplo son las escuelas artísticas, ya que sus
integrantes compartían una misma filosofía y un mismo estilo. El término
apropiacionismo y cita tuvieron cabida hasta finales de 1977 a raíz de la
exposición Pictures que realizó Douglas Crimp en Artistbs Space en 1977
(Nueva York), sin embargo, las connotaciones negativas prevalecen puesto
que los limites entre apropiación, cita y plagio no son claros ¿Cuándo un
trabajo se convierte en plagio? ¿Es lo mismo apropiarse de una obra
artística que de un trabajo publicitario?
¿Se considera plagio si se imita un elemento de la cultura popular? ¿Cuál
es la diferencia entre cita y apropiación?
El apropiacionismo “es una directa multiplicación, copia o incorporación de
una imagen por otro artista, quien representa dentro de un contexto
diferente, alterando completamente su significado y cuestionando los
conceptos de originalidad y autenticidad” (Ian Chilvers,1999).
Recontextualizar una obra ajena permite al espectador ver y analizar su
significado inicial dentro de un marco más actual e importante. El
significado de la palabra original es el tema central y está en discusión
constante porque se puede de ver de dos formas: como una propiedad de
la obra, o como una propiedad del artista. Al respecto, Julie Van Camp
afirma “Valoramos la originalidad porque demuestra la capacidad del
artista para hacer avanzar el potencial de una forma de arte", apunte que
desacredita a los artistas que escogieron la apropiación como medio de
representación. Sin embargo, ¿Por qué debe considerarse poco original el
utilizar la apropiación como medio de expresión cuando este plantea un
punto de vista innovador en torno al arte?
En la obra Dropping a Han Dynasty Urn,1995 se observan una serie de tres
fotografías en blanco y negro que muestran al artista y activista chino Ai
Weiwei destruir una urna ceremonial de la dinastía Han. La primera foto se
ve a Weiwei sosteniendo el jarrón; en el segundo, el jarrón está en el aire y
en la última, el jarrón se encuentra destruido en el suelo. Este acto tuvo
muchas opiniones negativas, especialmente por parte de los
coleccionistas, ya que el objeto destruido contenía un gran valor
económico, simbólico y cultural puesto que La dinastía Han (206 a. C.–220
d. C.) está considerada como una era determinante en la historia de la
civilización china, y romper deliberadamente una figura icónica de aquel
periodo equivale a arrojar todo un legado de gran significado cultural para
China (The Art Story). Al respecto, el artista afirmó “Es impactante solo
porque alguien piensa que es impactante y confiere valor al objeto.” Con
esta obra, Ai Weiwei dio inicio a la posibilidad de utilizar elementos
tradicionales con un fin netamente artístico y, a su vez, cuestionó las
estructuras sociales y culturales que le otorgaron valor a la urna, por ese
motivo se considera a este registro-performance como una obra
apropiacionista.
,Por otro lado, en “Apuntes para la historia extensa, continuación” (1968),
de la artista colombiana Beatriz González, se puede apreciar el retrato al
óleo de Simón Bolívar en una posición tradicional: de cintura para arriba
con los brazos cruzados y mirada fija.
, Los colores llamativos y el mal tratamiento de la imagen fueron de gran
admiración, sin embargo, Arturo Abella, periodista del espectador, acusó a
la artista de plagio porque se basó en una grafica mollinari para la
creación de su pintura. A raíz de esto, ella explicó que trabajar sobre la
obra de otro artista era un recurso muy utilizado en el ámbito artístico,
incluso los artistas más reconocidos ya hacían uso de él. Este caso es muy
particular porque el referente que utilizó González hace parte de la cultura
popular de Colombia, es un elemento cuyo autor se desconoce y todos
tienen acceso a él, por lo tanto, se puede decir que se apropió y
recontextualizó un elemento que hace parte de la memoria colectiva. Las
gráficas Mollinari se reprodujeron de forma masiva desde la década de
1950 hasta los 60 a bajo costo motivo por el cual se convirtieron en
objetos populares, en ese orden de ideas, se puede afirmar que es similar
al Pop Art puesto que este movimiento “toma del pueblo los intereses, así
como la temática” (Anónimo, 2016)
Otro artista colombiano conocido por utilizar imágenes pertenecientes a la
memoria colectiva es Antonio Caro, un ejemplo de esto es la obra
“Colombia”, 1976 ,que consistió en pintar sobre una lámina de metal la
palabra Colombia con una tipografía similar a la de Coca-Cola. Según Caro,
2019 no estaba pensando en nada cuando creó la obra, sólo ocho letras
aquí, ocho letras allá, la m y la i las sacó tras leer una carta que decía coca
cola company y la b de bobo la creo porque él era bobo. Este trabajo
artístico es una apropiación de elementos populares, el artista nunca niega
su referente, pero tampoco hace mención de este en su obra, solamente
se dejó llevar por su intuición “Lo mejor del arte es cuando lo mejor de la
producción del objeto no sabe lo que esta haciendo o no sabe donde le
pegó” (Caro, 2019)
Siguiendo con los artistas colombianos, en 1999 el artista Nadin Ospina
creó la obra Chac Mool III, estatua de Mickey Mouse, icono creado por Walt
Disney en 1928 para la película Steamboat Willie, en piedra gris. ¿Se
puede considerar esta obra de arte como plagio por utilizar un referente
que está registrado como marca? Barrios, al igual que los artistas del arte
pop, utilizan imágenes cotidianas o comerciales para crear una obra de
arte donde el icono es descontextualizado, de ahí que el colombiano
utilizara el ratón Mickey ya que es un personaje bastante explotado
comercialmente, eso quiere decir que se encuentran en todas partes,
además, la connotación que le atribuye no es publicitaria sino critica.
En relación con lo anterior, Ospina no sólo se apropia del personaje de
Disney, también lo hace del Chac Mool, un tipo de escultura precolombina
del periodo Posclásico que simboliza la identidad latinoamericana. Los
elementos que tomó como referentes son antagónicos, el Chac Mool
pierde su carácter sagrado y se vuelve objeto comercial, profano. Mickey
se entroniza y adquiere un valor sagrado, esto es, una condición de
alteridad. Lo periférico pasa al centro y el centro queda en la periferia. Una
resignificación de productos hegemónicos culturales y una puesta en crisis
de la identidad de los pueblos marginales. (Arias, 2018) Hay una fusión
entre las figuras, el símbolo precolombino queda ausente y resalta o reina
misma puesto que desde los inicios se ha utilizado como herramienta
artística el copiar o utilizar un referente para la creación de un nuevo
proyecto, un claro ejemplo son las escuelas artísticas, ya que sus
integrantes compartían una misma filosofía y un mismo estilo. El término
apropiacionismo y cita tuvieron cabida hasta finales de 1977 a raíz de la
exposición Pictures que realizó Douglas Crimp en Artistbs Space en 1977
(Nueva York), sin embargo, las connotaciones negativas prevalecen puesto
que los limites entre apropiación, cita y plagio no son claros ¿Cuándo un
trabajo se convierte en plagio? ¿Es lo mismo apropiarse de una obra
artística que de un trabajo publicitario?
¿Se considera plagio si se imita un elemento de la cultura popular? ¿Cuál
es la diferencia entre cita y apropiación?
El apropiacionismo “es una directa multiplicación, copia o incorporación de
una imagen por otro artista, quien representa dentro de un contexto
diferente, alterando completamente su significado y cuestionando los
conceptos de originalidad y autenticidad” (Ian Chilvers,1999).
Recontextualizar una obra ajena permite al espectador ver y analizar su
significado inicial dentro de un marco más actual e importante. El
significado de la palabra original es el tema central y está en discusión
constante porque se puede de ver de dos formas: como una propiedad de
la obra, o como una propiedad del artista. Al respecto, Julie Van Camp
afirma “Valoramos la originalidad porque demuestra la capacidad del
artista para hacer avanzar el potencial de una forma de arte", apunte que
desacredita a los artistas que escogieron la apropiación como medio de
representación. Sin embargo, ¿Por qué debe considerarse poco original el
utilizar la apropiación como medio de expresión cuando este plantea un
punto de vista innovador en torno al arte?
En la obra Dropping a Han Dynasty Urn,1995 se observan una serie de tres
fotografías en blanco y negro que muestran al artista y activista chino Ai
Weiwei destruir una urna ceremonial de la dinastía Han. La primera foto se
ve a Weiwei sosteniendo el jarrón; en el segundo, el jarrón está en el aire y
en la última, el jarrón se encuentra destruido en el suelo. Este acto tuvo
muchas opiniones negativas, especialmente por parte de los
coleccionistas, ya que el objeto destruido contenía un gran valor
económico, simbólico y cultural puesto que La dinastía Han (206 a. C.–220
d. C.) está considerada como una era determinante en la historia de la
civilización china, y romper deliberadamente una figura icónica de aquel
periodo equivale a arrojar todo un legado de gran significado cultural para
China (The Art Story). Al respecto, el artista afirmó “Es impactante solo
porque alguien piensa que es impactante y confiere valor al objeto.” Con
esta obra, Ai Weiwei dio inicio a la posibilidad de utilizar elementos
tradicionales con un fin netamente artístico y, a su vez, cuestionó las
estructuras sociales y culturales que le otorgaron valor a la urna, por ese
motivo se considera a este registro-performance como una obra
apropiacionista.
,Por otro lado, en “Apuntes para la historia extensa, continuación” (1968),
de la artista colombiana Beatriz González, se puede apreciar el retrato al
óleo de Simón Bolívar en una posición tradicional: de cintura para arriba
con los brazos cruzados y mirada fija.
, Los colores llamativos y el mal tratamiento de la imagen fueron de gran
admiración, sin embargo, Arturo Abella, periodista del espectador, acusó a
la artista de plagio porque se basó en una grafica mollinari para la
creación de su pintura. A raíz de esto, ella explicó que trabajar sobre la
obra de otro artista era un recurso muy utilizado en el ámbito artístico,
incluso los artistas más reconocidos ya hacían uso de él. Este caso es muy
particular porque el referente que utilizó González hace parte de la cultura
popular de Colombia, es un elemento cuyo autor se desconoce y todos
tienen acceso a él, por lo tanto, se puede decir que se apropió y
recontextualizó un elemento que hace parte de la memoria colectiva. Las
gráficas Mollinari se reprodujeron de forma masiva desde la década de
1950 hasta los 60 a bajo costo motivo por el cual se convirtieron en
objetos populares, en ese orden de ideas, se puede afirmar que es similar
al Pop Art puesto que este movimiento “toma del pueblo los intereses, así
como la temática” (Anónimo, 2016)
Otro artista colombiano conocido por utilizar imágenes pertenecientes a la
memoria colectiva es Antonio Caro, un ejemplo de esto es la obra
“Colombia”, 1976 ,que consistió en pintar sobre una lámina de metal la
palabra Colombia con una tipografía similar a la de Coca-Cola. Según Caro,
2019 no estaba pensando en nada cuando creó la obra, sólo ocho letras
aquí, ocho letras allá, la m y la i las sacó tras leer una carta que decía coca
cola company y la b de bobo la creo porque él era bobo. Este trabajo
artístico es una apropiación de elementos populares, el artista nunca niega
su referente, pero tampoco hace mención de este en su obra, solamente
se dejó llevar por su intuición “Lo mejor del arte es cuando lo mejor de la
producción del objeto no sabe lo que esta haciendo o no sabe donde le
pegó” (Caro, 2019)
Siguiendo con los artistas colombianos, en 1999 el artista Nadin Ospina
creó la obra Chac Mool III, estatua de Mickey Mouse, icono creado por Walt
Disney en 1928 para la película Steamboat Willie, en piedra gris. ¿Se
puede considerar esta obra de arte como plagio por utilizar un referente
que está registrado como marca? Barrios, al igual que los artistas del arte
pop, utilizan imágenes cotidianas o comerciales para crear una obra de
arte donde el icono es descontextualizado, de ahí que el colombiano
utilizara el ratón Mickey ya que es un personaje bastante explotado
comercialmente, eso quiere decir que se encuentran en todas partes,
además, la connotación que le atribuye no es publicitaria sino critica.
En relación con lo anterior, Ospina no sólo se apropia del personaje de
Disney, también lo hace del Chac Mool, un tipo de escultura precolombina
del periodo Posclásico que simboliza la identidad latinoamericana. Los
elementos que tomó como referentes son antagónicos, el Chac Mool
pierde su carácter sagrado y se vuelve objeto comercial, profano. Mickey
se entroniza y adquiere un valor sagrado, esto es, una condición de
alteridad. Lo periférico pasa al centro y el centro queda en la periferia. Una
resignificación de productos hegemónicos culturales y una puesta en crisis
de la identidad de los pueblos marginales. (Arias, 2018) Hay una fusión
entre las figuras, el símbolo precolombino queda ausente y resalta o reina
