MÓDULO 2
Jacobs
EL ARTE DEL CINE
El estímulo constante de tratar el material más a fondo realzó sus técnicas e hizo más profundas sus composiciones,
además ampliaron los límites y poderes del medio. Sus obras representan una variedad de estilos, técnicas y
filosofías, y sin embargo su finalidad era presentar un mundo gobernado por su propia personalidad en términos del
medio de la película cinematográfica. Colectivamente, su obra ayudó a que el mundo se fijara en la importancia del
cine como fuerza cultural.
Décadas de descubrimiento
De curiosidad científica a un arte con su propio carácter y personalidad, principales: Méliès, Porter y Griffith.
Méliès (1897) era ex mago, introdujo elementos del teatro y empleó temas de la literatura, con la finalidad de
desconcertar. Empleaba efectos como: exposiciones dobles, máscaras, moción interrumpida, "tomas" a la inversa,
moción rápida y lenta, animación, fadings y desvanecimientos. Primero avanzó a cintas de varias escenas, relatando
un argumento con un principio, una continuación y un fin, bautizándolo como “escenas dispuestas artificialmente”.
Las escenas duraban, para entonces mucho tiempo, de ocho a doce minutos. Éstas introdujeron un nuevo concepto:
el de la composición o continuidad cinematográfica. Desde ese momento el cine se convirtió en una empresa
creadora que entrañaba planeamiento, selección, dirección, organización y la fusión de la materia prima y el medio
para producir el efecto deseado.
Porter (1903) fragmentó las escenas en componentes menores de "tomas” (la menor unidad significativa de la
composición), dándole importancia a la estructura. Filmes de Porter iniciaron un estilo vigoroso de movimiento y
melodrama que cautivó al público norteamericano; y marcaron el primer período de prosperidad de la industria.
Introdujo la compaginación como el concepto estructural más importante de la producción cinematográfica. Una
serie de imágenes o "tomas" podía comunicar ideas, despertar y guiar sentimientos y adquirir un significado estético.
Este concepto de la compaginación sigue siendo fundamental para el arte cinematográfico y no ha sido alterado
esencialmente hasta nuestros días.
Griffith (1905) primero en emplear el primer plano, siendo uno de los atributos más valiosos de la técnica
cinematográfica. Perfeccionó recursos como el corte, el desvanecimiento gradual de la imagen transformándose en
otra, el fading y el iris, y los convirtió en poderosos elementos de unión en las relaciones estructurales. Fue el
primero en controlar la continuidad y duración de una "toma" -su tiempo en la pantalla- para lograr efectos
dramáticos. El flashback permitió al director desdeñar los requerimientos y pasar libremente de una escena a otra
antes de que ninguna de ellas estuviese terminada. Se convirtió en uno de los recursos estructurales más poderosos
de la pantalla. Empleó ingeniosamente oposiciones estructurales y dramáticas para realzar la calidad dinámica de la
cinta y para. dotar a ésta de su arrastre rítmico.
Influencias europeas
(después de la primera Guerra Mundial)
Las películas de esa época reflejan personalidades fuertes y artísticamente ambiciosas mostraron un nuevo campo y
variedad de estilos originales, y que representaron contribuciones muy valiosas para la historia.
Erich van Stroheim (1919) primer realista del cine de Estados Unidos, y puede considerarselo el predecesor de la
forma documental que caracterizó las mejores obras del neorrealismo italiano posterior a la segunda Guerra
Mundial. Había sido un estudiante cuidadoso de Griffith en el empleo de primeros planos, "tomas" de detalle,
ángulos de cámara, iluminación dramática, composiciones y el uso del iris y la máscara. También tenía cualidades
propias como profundo observador de la acción externa y en su olfato para el detalle pertinente para hacer un
comentario irónico.
,Wiene (1919) aplicó nuevas ideas al cine, de la mano de pintores que estaban interesados en el "expresionismo" y
los conceptos freudianos. Llamó la atención sobre la importancia de la distorsión y estilización para crear una
disposición de ánimo, empleando iluminación, composición, vestuario e interpretación. Para destacar la sensación
de caos y acentuar esa impresión, curvas y tonos oscuros eran puestos en contraste con líneas rectas y tonos claros.
Dupont y Murnau (1925) por medio de exposiciones múltiples, el uso de ángulos negativos y novedosos y
transiciones fluidas. La cámara podía revelar, sin recurrir a títulos explicativos y ni siquiera a la pantomima de los
actores. Empleo brillante de los fadings, del movimiento de la cámara, y el punto de vista subjetivo.
Dreyer (1927) Con un sentido soberbio del ritmo, primeros planos de grupos, caras, ojos, bocas y manos pasaban a
través de la pantalla, revelando con tremenda fuerza los pensamientos y sentimientos de los personajes. Rindió
tributo a la cámara en movimiento, buscó un mayor realismo fotográfico. Su fotografía fue severa y simple, su
decorado sencillo. Buscaba más la verdad psicológica que la exactitud histórica. La cámara móvil podía capturar con
rápidos movimientos y en todos los sentidos.
Eisenstein (1926) Mostró una imaginación pictórica original y un sentido dinámico de continuidad que tenía un
movimiento sinfónico. En sus películas el movimiento se convirtió en la base arquitectónica, penetrando en el tema,
las "tomas", el desarrollo de las escenas y las secuencias. Había movimiento en el encuadre, cámara, corte,
recibiendo el conjunto una mayor movilidad con ritmo y la medida en una tremenda variedad de planes de edición.
En sus filmes tenía intensidad, velocidad e impacto en los primeros planos, el ritmo de las escenas se intensificaba
para detenerse de golpe, generando horror y suspenso en el espectador. Destruía todo sentido del tiempo real y
prolongaba el suspenso repetidamente, de forma insoportable. Sus películas imponían al auditorio una participación
intelectual para comprenderlas y apreciarlas íntegramente. Fue un teórico del cine, introdujo el término de “montaje
ideológico” (tesis, antítesis, síntesis).
Pudovkin (1927) películas más tradicionales en su estructura y menos exigentes intelectualmente y una forma
narrativa que hacía recordar las películas de Griffith, tenían un toque irónico. Sus retratos del héroe azorado eran
presentados con un estilo incisivo que hacía resaltar la intensidad de los acontecimientos y arrastraba al espectador
por la fuerza de la ejecución. Su recurso estructural más acertado fue la forma en que cortaba una escena para pasar
a otra. Obligaba al espectador a llegar a una conclusión específica por el contraste del corte. Usaba cortes paralelos y
contrastes con gran efecto. El ritmo de la secuencia era hábil y preciso.
Ampliaciones del sonido
En el caos producido por el advenimiento del sonido abarcaron nuevas formas de expresión cinematográfica, y el
arte de la creación ci.'1ematográfica fue abandonado en el pánico. Época de sonido y furia. En 1933 el sonido era
una mejora técnica que añadía una fuerza importante alcanzando una madurez de estilo.
Disney (1928) hizo de la película corta de dibujos animados la expresión más brillante del arte cinematográfico de
ese tiempo. Sus películas eran sencillas en lo superficial y su diseño estructural era de alto nivel estético.
Composiciones ricas en coordinación visual y auditiva. Las imágenes se movían rápidamente despertando interés,
provocando risa, creando el suspenso, progresando siempre con una notable fluidez cinematográfica hasta un
crescendo de último momento y una solución final divertida e inesperada. Empleaba el movimiento como base de su
estructura. Creó un mundo irreal de sonidos en combinaciones jamás oídas. Los efectos eran creados por la unión de
sonidos o por medios sintéticos.
Clair (1930) su obra fue cinematográficamente inventiva además de mostrar un estilo elevado, trató de que el
sonido lo llevara a sendas aún más interesantes y expresivas. Hizo sus cintas menos naturales para que el sonido
pareciera más realista. Tratando sus historias como fantasías, solucionaba los problemas del diálogo y la música
haciendo que sus personajes cantaran y bailaran al menor pretexto. Colocando la cámara sobre ruedas y exigiendo
que la siguiera el micrófono, liberó al sonido de su papel estático y limitado, y le dio flexibilidad, movilidad y
perspectiva. Fue un pionero en la ampliación del alcance y campo del medio. Creó películas que se destacaron por su
gracia, ingenio e inventiva.
, Ford (1917) pasó más de 20 años haciendo películas mudas, pero en 1935, en colaboración con Dudley Nichols
realizó una película que justificó su pretensión a la fama: El delator. Empleó drama, nuevas relaciones para las
transiciones, o de distinta manera para la reflexión, el monólogo interior o el simbolismo. Usaba el sonido
subjetivamente en un notable contrapunto con la imagen. A pesar de esto, no descuidó el empleo de las imágenes.
Realizó la película sonora norteamericana de mayor originalidad hasta el momento.
Welles (1940) su juventud, una sensacional trasmisión radial sobre una supuesta invasión desde Marte, y una
carrera teatral, fueron los factores que lo llevaron a la fama y notoriedad. Fue aclamado como el director
cinematográfico más brillante que hubiese aparecido desde la introducción del sonido. Tenía una virtuosidad técnica
sorprendente con las fuerzas plásticas del cinematógrafo: composiciones visuales excitantes, simbolismo vívido,
desdén de la cronología estricta del tiempo y el espacio, transiciones notables, decorados ingeniosos. Se destacaban
su novedosa puesta en escena, su técnica poco convencional de la cámara y su empleo del sonido para el
movimiento estructural. Empleó la iluminación de una nueva manera. Originó una especie de movimiento
ondulatorio que simulaba en realidad el corte y daba a la película vitalidad y ritmo sinuoso. El sonido, la música o el
diálogo, empezado en una escena, era completado en otra. Sin una interrupción del diálogo, el relato era llevado
adelante en tiempo y movimiento. Usó el sonido con igual eficacia y originalidad para el comentario. el contraste y la
caracterización.
Creadores cinematográficos recientes
Desde 1941 hasta 1945 las mejores películas pertenecieron a la serie de Por qué Combatimos, fueron excelentes en
concepto y forma, reflejando lo adelantado y complejo del cine como medio de expresión.
En Italia había un movimiento llamado neorrealista, creadores cinematográficos extrajeron su material de la vida en
la Italia de posguerra. Trabajando casi enteramente al aire libre y frecuentemente con actores no profesionales, se
logró un alto grado de realismo. Con valentía y corazón, su obra exponía gravísimos problemas sociales que
requerían solución. En lo que se refiere al estilo, esos directores trabajaron en un género naturalista que fue terso,
local, moderado, acentuando el contenido y la caracterización.
Kurosawa (1943) fue esencialmente occidental en su estilo. Sus películas mostraban un magnífico equilibrio entre
el realismo y el impresionismo, y demostraron un profundo conocimiento del idioma cinematográfico que recordaba
notablemente lo mejor de los filmes mudos rusos. Un empleo audaz de movimientos violentos de la cámara creó el
ritmo, estructura e intensidad de sentimiento.
D´Espósito
TODO LO QUE NECESITAS SABER SONRE CINE
El padre (desconocido) del cine
En 1995, se celebró un siglo del cine conmemorando las primeras proyecciones de los hermanos
Lumiere ante público. Pero el cine ya existía de antes.
En 1895 había una larga tradición de espectáculos ópticos basados en la linterna mágica y las fantasmagorías. Pero el
verdadero creador del cine fue Reynaud.
Reynaud (1888) descubrió la película ranurada, el dibujo animado, la puesta en escena. Utilizaba un praxinoscopio,
descubierto por él, que permitía crear la ilusión de movimiento. El sistema era dibujar a mano personajes en una tira
de material transparente al que practicó ranuras para poder traccionarlo con engranajes, movía las manijas y hacía
pasar, frente a una lente retroiluminada, la tira de dibujos. A ésta la llamó pantomima luminosa.
“Inventó, sin saberlo, el espectáculo cinematográfico, pero el campo aún no está listo para que se desarrollase”
Jacobs
EL ARTE DEL CINE
El estímulo constante de tratar el material más a fondo realzó sus técnicas e hizo más profundas sus composiciones,
además ampliaron los límites y poderes del medio. Sus obras representan una variedad de estilos, técnicas y
filosofías, y sin embargo su finalidad era presentar un mundo gobernado por su propia personalidad en términos del
medio de la película cinematográfica. Colectivamente, su obra ayudó a que el mundo se fijara en la importancia del
cine como fuerza cultural.
Décadas de descubrimiento
De curiosidad científica a un arte con su propio carácter y personalidad, principales: Méliès, Porter y Griffith.
Méliès (1897) era ex mago, introdujo elementos del teatro y empleó temas de la literatura, con la finalidad de
desconcertar. Empleaba efectos como: exposiciones dobles, máscaras, moción interrumpida, "tomas" a la inversa,
moción rápida y lenta, animación, fadings y desvanecimientos. Primero avanzó a cintas de varias escenas, relatando
un argumento con un principio, una continuación y un fin, bautizándolo como “escenas dispuestas artificialmente”.
Las escenas duraban, para entonces mucho tiempo, de ocho a doce minutos. Éstas introdujeron un nuevo concepto:
el de la composición o continuidad cinematográfica. Desde ese momento el cine se convirtió en una empresa
creadora que entrañaba planeamiento, selección, dirección, organización y la fusión de la materia prima y el medio
para producir el efecto deseado.
Porter (1903) fragmentó las escenas en componentes menores de "tomas” (la menor unidad significativa de la
composición), dándole importancia a la estructura. Filmes de Porter iniciaron un estilo vigoroso de movimiento y
melodrama que cautivó al público norteamericano; y marcaron el primer período de prosperidad de la industria.
Introdujo la compaginación como el concepto estructural más importante de la producción cinematográfica. Una
serie de imágenes o "tomas" podía comunicar ideas, despertar y guiar sentimientos y adquirir un significado estético.
Este concepto de la compaginación sigue siendo fundamental para el arte cinematográfico y no ha sido alterado
esencialmente hasta nuestros días.
Griffith (1905) primero en emplear el primer plano, siendo uno de los atributos más valiosos de la técnica
cinematográfica. Perfeccionó recursos como el corte, el desvanecimiento gradual de la imagen transformándose en
otra, el fading y el iris, y los convirtió en poderosos elementos de unión en las relaciones estructurales. Fue el
primero en controlar la continuidad y duración de una "toma" -su tiempo en la pantalla- para lograr efectos
dramáticos. El flashback permitió al director desdeñar los requerimientos y pasar libremente de una escena a otra
antes de que ninguna de ellas estuviese terminada. Se convirtió en uno de los recursos estructurales más poderosos
de la pantalla. Empleó ingeniosamente oposiciones estructurales y dramáticas para realzar la calidad dinámica de la
cinta y para. dotar a ésta de su arrastre rítmico.
Influencias europeas
(después de la primera Guerra Mundial)
Las películas de esa época reflejan personalidades fuertes y artísticamente ambiciosas mostraron un nuevo campo y
variedad de estilos originales, y que representaron contribuciones muy valiosas para la historia.
Erich van Stroheim (1919) primer realista del cine de Estados Unidos, y puede considerarselo el predecesor de la
forma documental que caracterizó las mejores obras del neorrealismo italiano posterior a la segunda Guerra
Mundial. Había sido un estudiante cuidadoso de Griffith en el empleo de primeros planos, "tomas" de detalle,
ángulos de cámara, iluminación dramática, composiciones y el uso del iris y la máscara. También tenía cualidades
propias como profundo observador de la acción externa y en su olfato para el detalle pertinente para hacer un
comentario irónico.
,Wiene (1919) aplicó nuevas ideas al cine, de la mano de pintores que estaban interesados en el "expresionismo" y
los conceptos freudianos. Llamó la atención sobre la importancia de la distorsión y estilización para crear una
disposición de ánimo, empleando iluminación, composición, vestuario e interpretación. Para destacar la sensación
de caos y acentuar esa impresión, curvas y tonos oscuros eran puestos en contraste con líneas rectas y tonos claros.
Dupont y Murnau (1925) por medio de exposiciones múltiples, el uso de ángulos negativos y novedosos y
transiciones fluidas. La cámara podía revelar, sin recurrir a títulos explicativos y ni siquiera a la pantomima de los
actores. Empleo brillante de los fadings, del movimiento de la cámara, y el punto de vista subjetivo.
Dreyer (1927) Con un sentido soberbio del ritmo, primeros planos de grupos, caras, ojos, bocas y manos pasaban a
través de la pantalla, revelando con tremenda fuerza los pensamientos y sentimientos de los personajes. Rindió
tributo a la cámara en movimiento, buscó un mayor realismo fotográfico. Su fotografía fue severa y simple, su
decorado sencillo. Buscaba más la verdad psicológica que la exactitud histórica. La cámara móvil podía capturar con
rápidos movimientos y en todos los sentidos.
Eisenstein (1926) Mostró una imaginación pictórica original y un sentido dinámico de continuidad que tenía un
movimiento sinfónico. En sus películas el movimiento se convirtió en la base arquitectónica, penetrando en el tema,
las "tomas", el desarrollo de las escenas y las secuencias. Había movimiento en el encuadre, cámara, corte,
recibiendo el conjunto una mayor movilidad con ritmo y la medida en una tremenda variedad de planes de edición.
En sus filmes tenía intensidad, velocidad e impacto en los primeros planos, el ritmo de las escenas se intensificaba
para detenerse de golpe, generando horror y suspenso en el espectador. Destruía todo sentido del tiempo real y
prolongaba el suspenso repetidamente, de forma insoportable. Sus películas imponían al auditorio una participación
intelectual para comprenderlas y apreciarlas íntegramente. Fue un teórico del cine, introdujo el término de “montaje
ideológico” (tesis, antítesis, síntesis).
Pudovkin (1927) películas más tradicionales en su estructura y menos exigentes intelectualmente y una forma
narrativa que hacía recordar las películas de Griffith, tenían un toque irónico. Sus retratos del héroe azorado eran
presentados con un estilo incisivo que hacía resaltar la intensidad de los acontecimientos y arrastraba al espectador
por la fuerza de la ejecución. Su recurso estructural más acertado fue la forma en que cortaba una escena para pasar
a otra. Obligaba al espectador a llegar a una conclusión específica por el contraste del corte. Usaba cortes paralelos y
contrastes con gran efecto. El ritmo de la secuencia era hábil y preciso.
Ampliaciones del sonido
En el caos producido por el advenimiento del sonido abarcaron nuevas formas de expresión cinematográfica, y el
arte de la creación ci.'1ematográfica fue abandonado en el pánico. Época de sonido y furia. En 1933 el sonido era
una mejora técnica que añadía una fuerza importante alcanzando una madurez de estilo.
Disney (1928) hizo de la película corta de dibujos animados la expresión más brillante del arte cinematográfico de
ese tiempo. Sus películas eran sencillas en lo superficial y su diseño estructural era de alto nivel estético.
Composiciones ricas en coordinación visual y auditiva. Las imágenes se movían rápidamente despertando interés,
provocando risa, creando el suspenso, progresando siempre con una notable fluidez cinematográfica hasta un
crescendo de último momento y una solución final divertida e inesperada. Empleaba el movimiento como base de su
estructura. Creó un mundo irreal de sonidos en combinaciones jamás oídas. Los efectos eran creados por la unión de
sonidos o por medios sintéticos.
Clair (1930) su obra fue cinematográficamente inventiva además de mostrar un estilo elevado, trató de que el
sonido lo llevara a sendas aún más interesantes y expresivas. Hizo sus cintas menos naturales para que el sonido
pareciera más realista. Tratando sus historias como fantasías, solucionaba los problemas del diálogo y la música
haciendo que sus personajes cantaran y bailaran al menor pretexto. Colocando la cámara sobre ruedas y exigiendo
que la siguiera el micrófono, liberó al sonido de su papel estático y limitado, y le dio flexibilidad, movilidad y
perspectiva. Fue un pionero en la ampliación del alcance y campo del medio. Creó películas que se destacaron por su
gracia, ingenio e inventiva.
, Ford (1917) pasó más de 20 años haciendo películas mudas, pero en 1935, en colaboración con Dudley Nichols
realizó una película que justificó su pretensión a la fama: El delator. Empleó drama, nuevas relaciones para las
transiciones, o de distinta manera para la reflexión, el monólogo interior o el simbolismo. Usaba el sonido
subjetivamente en un notable contrapunto con la imagen. A pesar de esto, no descuidó el empleo de las imágenes.
Realizó la película sonora norteamericana de mayor originalidad hasta el momento.
Welles (1940) su juventud, una sensacional trasmisión radial sobre una supuesta invasión desde Marte, y una
carrera teatral, fueron los factores que lo llevaron a la fama y notoriedad. Fue aclamado como el director
cinematográfico más brillante que hubiese aparecido desde la introducción del sonido. Tenía una virtuosidad técnica
sorprendente con las fuerzas plásticas del cinematógrafo: composiciones visuales excitantes, simbolismo vívido,
desdén de la cronología estricta del tiempo y el espacio, transiciones notables, decorados ingeniosos. Se destacaban
su novedosa puesta en escena, su técnica poco convencional de la cámara y su empleo del sonido para el
movimiento estructural. Empleó la iluminación de una nueva manera. Originó una especie de movimiento
ondulatorio que simulaba en realidad el corte y daba a la película vitalidad y ritmo sinuoso. El sonido, la música o el
diálogo, empezado en una escena, era completado en otra. Sin una interrupción del diálogo, el relato era llevado
adelante en tiempo y movimiento. Usó el sonido con igual eficacia y originalidad para el comentario. el contraste y la
caracterización.
Creadores cinematográficos recientes
Desde 1941 hasta 1945 las mejores películas pertenecieron a la serie de Por qué Combatimos, fueron excelentes en
concepto y forma, reflejando lo adelantado y complejo del cine como medio de expresión.
En Italia había un movimiento llamado neorrealista, creadores cinematográficos extrajeron su material de la vida en
la Italia de posguerra. Trabajando casi enteramente al aire libre y frecuentemente con actores no profesionales, se
logró un alto grado de realismo. Con valentía y corazón, su obra exponía gravísimos problemas sociales que
requerían solución. En lo que se refiere al estilo, esos directores trabajaron en un género naturalista que fue terso,
local, moderado, acentuando el contenido y la caracterización.
Kurosawa (1943) fue esencialmente occidental en su estilo. Sus películas mostraban un magnífico equilibrio entre
el realismo y el impresionismo, y demostraron un profundo conocimiento del idioma cinematográfico que recordaba
notablemente lo mejor de los filmes mudos rusos. Un empleo audaz de movimientos violentos de la cámara creó el
ritmo, estructura e intensidad de sentimiento.
D´Espósito
TODO LO QUE NECESITAS SABER SONRE CINE
El padre (desconocido) del cine
En 1995, se celebró un siglo del cine conmemorando las primeras proyecciones de los hermanos
Lumiere ante público. Pero el cine ya existía de antes.
En 1895 había una larga tradición de espectáculos ópticos basados en la linterna mágica y las fantasmagorías. Pero el
verdadero creador del cine fue Reynaud.
Reynaud (1888) descubrió la película ranurada, el dibujo animado, la puesta en escena. Utilizaba un praxinoscopio,
descubierto por él, que permitía crear la ilusión de movimiento. El sistema era dibujar a mano personajes en una tira
de material transparente al que practicó ranuras para poder traccionarlo con engranajes, movía las manijas y hacía
pasar, frente a una lente retroiluminada, la tira de dibujos. A ésta la llamó pantomima luminosa.
“Inventó, sin saberlo, el espectáculo cinematográfico, pero el campo aún no está listo para que se desarrollase”
